赵军说起街舞，总像是在翻看一本厚重的相册，纸页里有汗水、有欢笑，也有无数个不眠之夜。回忆的开端，是上世纪末那个充满试探与好奇的年代。起初的街舞不是舞台上光鲜的表演，而是在避风的小巷，在狭窄的地下室，几个年轻人围成一圈，交换动作与态度。
那段时间资源贫乏，但正是匮乏造就了创造力。赵军回忆，他和朋友们靠一台老旧音响、一盘磁带，反复模仿国外的录像带，试着把身体变成节奏的延伸。练习的每一秒都充满渴望——渴望被看见，也渴望把心里的情绪用肢体讲出来。
从模仿到创新是街舞发展中必经的路径。赵军在这条路上不断试探属于自己的表达方式。他强调，动作之外，街舞更重要的是态度，这是街舞的灵魂。早期的battle和圈子文化教会了他如何在有限的条件下找到突破口：夸张的节奏感、夸赞又挑衅的眼神交流、以及在瞬间做出决定的勇气。
这些元素后来成了他编舞与教学中的关键节点。与此赵军也见证了街舞从地下文化逐渐走向商业化的过程。最开始的保守和排他，慢慢被更多人的参与稀释，媒体开始报道、俱乐部开始开办、比赛开始规范化。每一次变革都有陨落与重生，赵军认为，保持原创精神与社区联结，是抵御商业风潮冲击的最好方式。
回顾个人成长，赵军谈到几个关键的转折点。第一次代表团队登上城市级比赛的舞台，让他感受到了公众目光的重量；第一次带学生赢得大奖，让他体验到教学的成就感。他也经历过低谷——受伤、团队解散、被误解，这些经历教会了他耐心与反思。他在专访中提到，街舞教会他的第一课是“用身体说真话”，第二课是“在失败中重新定义自己”。
现在的赵军，既是舞者也是编导、老师与组织者，他把这些身份看成是同一个故事的不同章节，用不同角色去扶持一代代新人成长。
在谈到街舞文化的传承与未来时，赵军充满期待。他认为教育是根本，除了技术训练，更要塑造舞者的文化认同感和社会责任感。学校和社区的推广、线上教学资源的丰富、以及跨界合作的增多，都为街舞的可持续发展提供了可能。但他同时警觉，有些快速商业化的趋势可能让街舞失去它最初的质感和反叛精神。
因此，他在工作中坚持小班教学、社区巡回和文化讲座，努力在扩张与守护之间找到平衡。赵军最后说，街舞是一种不断被赋予意义的流动艺术，只要有年轻人愿意用身体表达世界，它就会有新的故事可讲。
继续聊下去，赵军把话题拉到具体的课堂与训练方法上。他强调基础的重要性：节奏感、身体控制、肌肉记忆，这些看似枯燥的训练，实际上是创造力的底盘。每一位初雷火竞技平台学者都必须经历反复的基础训练，从站姿到基本步伐，从重心转换到呼吸配合。赵军把这些训练比作建筑的地基，如果地基不牢，任何华丽的动作都会变得危险或者空洞。
他的课堂有严格的节律练习，但也留有即兴的空间，让学员在自由表达中找到自我声音。赵军喜欢用故事和情绪去引导动作，认为动作只有连结到情绪才有温度，观众才会被打动。
关于竞技与艺术的关系，赵军有着自己的见解。街舞既要有竞技性，也需要艺术性，两者并非对立。他举例说明，battle场上的临场应变能力和编舞时的整体结构感，其实是相互促进的。高水平的battle培养判断力与创造力，而精心设计的编舞则磨练审美与节奏分配。
他鼓励年轻舞者在追求奖项的不要忽视个人风格的建立。那些只为赢而模仿的动作，最终会被时代所淘汰；而那些经过个人化处理、有故事支撑的表达，才会留在观众记忆里。
在推动行业发展层面，赵军参与了许多组织和项目，从赛事策划到社区推广。他提到，行业需要更多平台，让不同背景的舞者都有被看见的机会。青少年项目、职业培训、以及与学校合作的课程，是培养下一代舞者的关键环节。赵军也看到国际交流带来的新鲜血液，国外的编舞理念和本土文化的碰撞，产生了许多意想不到的火花。
他鼓励年轻人走出去，也欢迎外界走进来，用开放的心态去吸收与重塑。
赵军谈到对年轻舞者的建议：保持好奇心、尊重身体的极限、并在每一次练习后问自己学到了什么。他提醒，舞蹈生涯不只是舞台上的光环，还有大量的自律和沉淀。真正能走得长远的人，是那些把舞蹈当作生活方式而非短暂热情的人。专访在轻松的笑声中结束，赵军用一句话概括他的街舞观：“街舞是我的语言，也是我和世界对话的方式。
”他的目光里，有对未来的期待，也有对曾经路程的温柔致敬。整个访谈像一段舞曲，有起有伏，有独白也有合唱，带给读者一种既现实又浪漫的共鸣。